Conversatorios – 8º Seminario de Cine Fragmentos de lo Real

El 8º Seminario de Cine – Fragmentos de lo Real está organizado por el Cineclubcito Boliviano y el Centro Cultural de España en Bolivia – CCELP y en su edición 2023 se realizará del 4 de julio al 28 de octubre de 2023 de forma virtual y estará dividido en dos módulos. El primer módulo del 4 de julio al 26 de agosto y el segundo módulo del 5 de septiembre al 28 de octubre.

La propuesta editorial del Seminario gira en torno a los retos formales y narrativos de la representación cinematográfica de la “alteridad” y sus repercusiones en la realidad social. Imágenes y sonidos que buscan ser parte y hacerse cargo de nuestra diversidad cultural, memoria y contextos sociales, buscando respuestas creativas a cómo hacer que las imágenes que generamos tomen una posición autoral/crítica que contribuya y participe de la construcción de una cinematografía con identidad propia.

En este MÓDULO 1 / 2023, que se llevará a cabo del 4 de julio al 26 de agosto, se tiene como objetivo asesorar y acompañar 13 proyectos de cine, junto a especialistas nacionales e internacionales para analizar de forma crítica el lenguaje, la imagen y el sonido que consumimos y generamos en nuestros territorios, pero, sin dejar la posibilidad de volar e imaginar, hacer lo que nos da la gana, desde una mirada propia como aporte autoral.

Estos asesores especialistas nos acompañarán también en un ciclo de conversatorios realizados a través de FacebookLive todos los martes del 4 de julio al 26 de agosto a las 19:00hrs. En estos conversatorios nos acompañarán:

Martes 4 de julio

Los universales: ellos, nosotros y los otros

ROGER KOZA

Crítico y programador de cine

ARGENTINA

En un simposio se discute si la suciedad que acarrea un desposeído de la ciudad de México es más cinematográfica que la de un intocable de la India o la de un lunático de las calles de Manhattan. 

En otra mesa de debate, tres especialistas analizan la verosimilitud de un guion llegado de Purmamarca sobre la vida de un matemático de 40 años que ha podido avanzar sobre la conjetura de Hodge y concluyen que es imposible creer en algo así. 

En un taller para críticos jóvenes, el tutor se empeña en alabar el uso minimalista del discurso en el cine latinoamericano del siglo XXI retomando algunos párrafos de un texto de un filósofo alemán. 

Los productores franceses relatan cómo convencieron a un cineasta colombiano de que una bofetada era insuficiente para señalar el padecimiento de un adolescente bogotano de los suburbios y, tras añadir una secuencia con una golpiza colosal rodada en un plano secuencia (casi soviético), la película se estrenó en la mejor sección de un festival francés. 

El tallerista de guion insiste en la eficacia del “camino del héroe” para la lógica interna en la evolución de cualquier relato (elige de ejemplo la vida de un revolucionario cubano desconocido, quien a su juicio representa un caso sustantivo del modelo que defiende). 

En la noche, todos los participantes tratarán un tema inquietante: ¿cuántas llamas tiene que incluir una película rodada en la puna? 

En otra no menos distinguida polémica se abordarán las elecciones cromáticas de un film reciente en el que, según el seminarista, el cineasta amateur no hizo lucir los atuendos de las cholitas escaladoras de Bolivia.

Los casos acá citados sintonizan irónicamente con varios modelos conceptuales que organizan las poéticas del cine latinoamericano. Tales conceptos erigen una idea de cine y una praxis. El estilo internacional imperante poco tiene que ver con la aspiración a lo universal. Frente a la domesticación conveniente para sobrevivir en el mercado de imágenes y la seducción permanente de un sistema general de estímulos audiovisuales qué igualan la percepción, es legítimo, incluso acuciante, preguntarse: ¿qué, cómo y dónde filmar? Antes de responder, se precisa observar el funcionamiento de un sistema y de inmediato establecer una distancia. En esa distancia radica, paradójicamente, la posible fuerza universal de una película dominicana, uruguaya, argentina o peruana. 

(Roger Koza)

Martes 11 de julio

“Alcanzando a los no alcanzados”: Deformando los archivos documentales de misioneros desde Bolivia.

JUAN FABBRI 

Artista, antropólogo visual y curador boliviano.

BOLIVIA

El conversatorio parte de preguntarse qué son las imágenes y la importancia de estas en una Bolivia plural. Considero significativo seguir reflexionando sobre qué es la colonización y la descolonización de las imágenes. Encuentro en la visualidad las maneras de redibujar nuestras creencias y deformar nuestra imaginación. El conversatorio será un espacio para dialogar sobre un proyecto personal de largo aliento personal que se llama «Cidios: entre el arte y la antropología» que consiste en revisar las imágenes producidas por grupos de misioneros religiosos sobre el sur global. La invitación consiste en pensar cómo podemos acercarnos a archivos visuales y deformarlos. En la charla se abordarán discusiones sobre la teoría de las imágenes, la ficción y el documental.

Martes 18 de julio

Caminos actuales de las curadurías de cine en América Latina

MARÍA PAULA LORGIA 

Gestora cultural y curadora de cine y medios audiovisuales.

COLOMBIA

En este espacio se revisará el concepto y el panorama de la curaduría de cine en América Latina, la necesidad de apertura en las miradas sobre nuestro contexto actual, el cual demanda  conversaciones que reúnan voces y formas más expandidas, diversas y activas políticamente.

Martes 25 de julio

MIGUEL HILARI

Cineasta boliviano 

BOLIVIA

Estudió cine en La Paz, Santiago de Chile y Barcelona. Sus películas El corral y el viento (2014), Compañía (2019) y Bocamina (2019) retratan brechas generacionales, identidad indígena y movimientos entre campo y ciudad en Bolivia. Su películas fueron proyectadas y galardonadas en festivales como Visions du Réel, Cinéma du Réel, Oberhausen, Transcinema, FIDOCS y otros. Hilari colabora regularmente en la producción y el montaje de las películas de sus amigos. Vive en La Paz, donde trabaja como realizador, productor y docente.

Martes 1 de agosto

Variaciones de lo real “Lo que vemos, lo que nos mira”

La realidad es más compleja que lo que le atribuimos a la palabra, no es solamente las condiciones socioeconómicas o socioculturales de nuestros territorios y sus formas de ser y estar en y con el mundo.

En un escenario complejo para comunicarnos en el que la abundancia de datos transita entre la hípervelocidad y la híperinercia, ¿cuál es la situación de los públicos? ¿qué demandan más allá de las plataformas y las dinámicas que se experimentaron durante la pandemia? 

En esta charla exploraremos algunos modelos de programación y de mediación de cine, con miras a expandir las posibilidades de acceso audiovisual para llevar nuestras películas y proyectos a sus audiencias, para compartir el cine latinoamericano que producimos y aquel que nos conmueve y anhelamos ver de otras latitudes.

¿Qué cines programamos y exhibimos, con qué medios y por qué? ¿Es posible reformular algunas variaciones de circulación?

ISABEL ROJAS

Gestora cultural, productora, exhibidora y programadora de cine.

MÉXICO

Es gestora cultural, productora, exhibidora y programadora de cine. Se dedica a la investigación, docencia, gestión y producción de proyectos culturales para la formación de públicos. Actualmente es directora artística del Seminario El Público del Futuro del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM). Es fundadora, directora y programadora de OaxacaCine (2011-2023). Graduada en Gestión Cultural y Desarrollo Sustentable por la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca (UABJO), con estudios en Arte Audiovisual por el Centro de Arte Audiovisual de Guadalajara (CAAV). Estudiante de Prácticas Narrativas. Berlinale Talent (Audience Design 2023) y Flaherty Film Seminar Curatorial Fellow (2022). Actúa desde hace 15 años en el área de programación y curaduría. Ha realizado colaboraciones con diversos festivales, muestras y escuelas de cine de México y Latinoamérica. Dentro de su práctica artística crea espacios para el diálogo y la construcción colectiva de saberes, construye proyectos experimentales que unen convivencia, estudio e investigación.

Martes 8 de agosto

Filmar lo cotidiano, archivar sus ruinas

Miquelina Fiter Rosaura empezó a filmar cuando tenía 21 años, no sabemos a ciencia cierta qué la motivó, pero nos quedan sus imágenes: 7 décadas de películas domésticas que. Involuntariamente dan cuenta del paso del tiempo en un país ensombrecido por la dictadura franquista. Más allá del acto de filmar y filmarse, ¿cuál es el intrincado camino para que unas imágenes se preserven y eventualmente sean revisitadas, re-montarlas, resignificadas? ¿Qué o quién nos da el derecho a abrir los cajones del pasado de una familia que no es la nuestra y removerlo con nuestro discurso del presente? ¿cómo negociar en la línea-de-tiempo con estas cuestiones hasta que nazca un relato?

JUAN SOTO TABORGA 

Montajista y cineasta colombiano

COLOMBIA

Montajista y cineasta colombiano. Estudió el Curso Regular de Documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en Cuba. También participó en la FIAF Escuela de verano de Restauración Fílmica en L’immagine Ritrovata de Bologna en 2018 y fue artista residente en el Centro de Conservación de la Filmoteca de Catalunya en 2019-2020, donde trabaja actualmente. Como editor, ha trabajado con reconocidos directores y artistas, y sus películas han sido exhibidas en diversos festivales, galerías y museos en Latinoamérica y Europa. Su filmografía incluye títulos como Parábola del Retorno, Revelaciones, Carta a Violeta, Nieve, Oslo 2012 y  Elena Dios a Luz un Hermoso Niño, entre otros.

Martes 15 de agosto

Modelos de producción y oportunidades

En esta charla abordaremos los distintos tipos de producción aplicados en la realización audiovisual de nuestros territorios, además de los retos y oportunidades que se desprenden de estos procesos. Revisaremos los inputs que apoyan al fortalecimiento de los proyectos y que los encaminan hacia espacios de apoyo para la efectiva ejecución de todas las etapas (desarrollo, preproducción, producción, postproducción, distribución). Finalmente conversaremos sobre la experiencia en EAVE Puentes, un espacio que espera abrir las puertas a nuevos talentos con proyectos a realizarse en América Latina.

VERÓNICA HARO ABRIL

Productora de cine y televisión

ECUADOR

Productora de cine y televisión. Graduada en la Universidad San Francisco de Quito, quien también completó un taller de especialización en producción cinematográfica en CECAN, España, en asociación con la Universidad de San Antonio de los Baños de Cuba. Desde 2004, ha trabajado en diversos proyectos de cine, televisión, publicidad, teatro y contenido, incluyendo cuatro largometrajes ecuatorianos. Además, ha dirigido y producido su propio documental 'Cuando ellos se fueron', que ha ganado varios premios y ha sido seleccionado en varios festivales internacionales de cine. Participó como docente en programas sociales como el de rescate de los Latin Kings organizado por la Flacso y Cetoj. Actualmente, es Directora de Producción en Abril Films y docente de producción audiovisual en la Universidad de las Américas UDLA.

Martes 22 de agosto

Espíritus, sombras, reflejos

“Karlon, Russa, Ihjãc”, rapero de origen caboverdiano, residente de un barrio social de Oporto y joven indígena krahô. Por estos encuentros, creo hoy que otro cine es posible. Pequeñas familias filmando y siendo filmadas. Mise-en-scènes cruzadas. Memorias, resistencias, pactos. Negociaciones estéticas, discursivas y espirituales. Los afectos movilizados para la construcción de una escena. “El ritual del cine”.

El director João Salaviza compara sus últimas tres películas (“Russa”, “Altas Cidades de Ossadas”, “Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos”), donde ensaya nuevas formas de pensar, producir y vivir el cine.

João Salaviza

Director de cine, guionista, editor, productor y ex actor portugués.

PORTUGAL

Estudió cine en la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa y en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Su primer cortometraje ARENA fue galardonado con la Palma de Oro en Cannes (2009), seguido del Oso de Oro a Cortometrajes en la Berlinale por RAFA (2012). También estrenó los cortometrajes ALTAS CIDADES DE OSSADAS (2017) y RUSSA (2018, codirigido con Ricardo Alves Jr) en la Competencia Oficial de la Berlinale. Su primer largometraje, MONTANHA, tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia (Semana de la Crítica) en 2015. Desde entonces, vive entre Portugal y Brasil, junto a los indígenas Krahô. En 2018, CHUVA É CANTORIA NA ALDEIA DOS MORTOS (codirigida con Renée Nader Messora) se estrenó en el Festival de Cine de Cannes, recibiendo el Premio Especial del Jurado – Un Certain Regard. La película se estrenó comercialmente en varios países, en particular en Francia, donde fue vista por 45.000 espectadores.